ENTREVISTA: ABSOLUTE ZERO

Por: Jorge Sergio

Enrique Jardines, Aislinn Quinn y Pip Pyle forman Absolute Zero, un grupo que eleva hasta límites insospechados la complejidad musical en su trabajo Crashing Icons. Muy ablablemente nos concedieron esta larguísima e interesante entrevista, en exclusiva para ArticMist:

La primera pregunta parece evidente, pero para todos los lectores interesados en conoceros mejor, es obvia... ¿Cómo y cuándo nació Absolute Zero?

Enrique: Como ya sabes, la Banda se originó en Gainesville, Florida. La formación original era guitarra, bajo y percusiones. Después de dejarla el guitarrista, emprendimos una búsqueda en Florida para su sustitución, con poco éxito. Tras muchas deliberaciones, decidimos mudarnos a New England, ya que ambos teníamos la experiencia de haber vivido allí anteriormente y debido a que allí había más músicos.

New England demostró ser una ciudad difícil al principio (¡y fría!), pero allí escuchamos eventualmente a la neoyorquina Aislinn Quinn, quien es en el presente un miembro del grupo, haciendo de aquél viaje una experiencia meritoria. Entonces, en 1999, nuestro batería inició otros retos musicales y Pip Pyle se unió a la banda. Tuvo lugar una gira y una grabación, cuya culminación es el CD Crashing Icons realizado recientemente. Para más detalles sobre la historia del grupo, se puede visitar nuestra página web: www.absolute-zero.net

No se si sois muy amigos de los adjetivos para clasificar la música, pero ¿cómo definís el estilo de música que hace la banda?

Pip: Bueno, esa es la pregunta que nunca he tenido éxito al responder sobre cualquier banda que toque música que tenga valor o que tenga una filosofía propia. Realmente es mi pregunta “bestia negra”. Si esta fuese una banda “basura”, diría: bueno, esto es mala música... O podría decir que esta es una banda progresiva.

Una noche, mientras estaba tocando en un club de jazz en Paris con mi banda L’Equip, durante un descanso en las pruebas de sonido, un tipo entró en el club, se me acercó y me preguntó muy seriamente que tipo de música tocábamos. Permanecí allí, abriendo y cerrando la boca como un pez fuera del agua, buscando la palabra justa para describir lo que hacíamos. Elton Dean, viendo que yo estaba indeciso dijo secamente “Jazz”. El joven, aprovechando la oportunidad de llevar la conversación más lejos, entonces hizo la inteligente y totalmente inesperada pregunta: ¿Qué tipo de Jazz?. “Moderno”, fue la concisa respuesta de Elton. En mi cabeza, que no tiene mucho talento para las categorías , el “jazz moderno” es como Lionel Hampton o Charlie Parker o el Modern Jazz Quartet o quizás algo de los años 50, pero el tipo pareció enteramente satisfecho, se fue y volvió en siguientes ocasiones, de forma que estoy contento de haber mantenido mi boca cerrada. Realmente fue así de simple, y no enteramente inexacto, cuando piensas de nuevo en ello.

Pienso que es, realmente, más una preocupación de los periodistas, cómo describes la música a la gente. No estoy criticándolo, de forma que, por favor, no te ofendas. Creo que es realmente una tarea difícil, pero digna si quieres interesar lo suficiente a la gente, con palabras, a que escuchen la música de alguien. Quizás debo decir que a veces me río con los vanos esfuerzos de los periodistas para transportar y compartir esta maravillosa experiencia con los demás. Por eso me temo que tengo que dejar esta pregunta a los oyentes y escritores profesionales. Tan sólo soy un batería de Rock and Roll. Puedo decirte qué clase de baquetas uso, si quieres...

Enrique Jardines

Enrique: Como banda, nuestras inspiraciones incluyen la honestidad brutal de la música folk y blues, la libertad de improvisación del jazz, la complejidad de las técnicas de composición del Siglo XX, la diversidad de diferentes músicas del mundo y la electrónica, con el volumen saturado, la temeridad y la energía disidente del espíritu original del rock.

La música de Absolute Zero se compone través de una combinación de improvisación colectiva y partituras escritas. Es importante comentar que los miembros de la banda estamos interesados en prestar nuestra firma individual y nuestra propia perspectiva a la música. El abandono creativo está permitido y el proponer ideas en el proceso composicional junto a las iniciativas innovadoras son muy valoradas. A cada músico se le pide que contribuya al proceso de composición, le cueste lo que le cueste a quién hizo la composición original. Al final, una pieza de Absolute Zero es la culminación de un proceso colectivo, destacando las contribuciones individuales y las interpretaciones musicales. Durante los conciertos y grabaciones nos esforzamos en alcanzar nuestra misión creativa de “caos controlado”, que implica ser capaz de cambiar rápidamente la forma de pensar, para acomodarse a la forma en que la banda o un músico individual está liderando el momento musical. Todos damos un margen composicional a la música, ya que todos somos sus creadores.

Sentimos que nuestra responsabilidad como músicos, en el momento presente, es crear música, no etiquetarla. Definimos la música como la escribimos y nos sentimos libres de utilizar cualquier influencia o técnica que veamos que se ajusta a la composición o improvisación. En otras palabras, no creamos bajo los designios del Jazz, Rock, World Music, Blues, Folk ni ningún otro estilo. Humildemente, Absolute Zero se esfuerza en escribir la música de Absolute Zero. De nuevo... es simplemente Rock’n Roll.

Aislinn: MIAR (“music is a revolution”), Mayhemia, (“caos”) Coma (“caos controlado”) Cacaphonitosis, Dial-an-Ant-Wreck (dialectic anti-recidivism), Ruckus’n’Roil. Me temo que esto probará, sin sombra de duda que los periodistas, no los músicos, suelen idear los nombres de los estilos de música.

¿Qué nos podéis contar del panorama musical en Florida en lo referente al rock progresivo? ¿Recibís algún tipo de apoyo para facilitaros vuestro trabajo?

Pip: ¡Oh! Tendría que escribir un libro para responder la pregunta sobre la escena musical. Es suficiente decir que creo que el 95% de la escena musical es actualmente una rama de la industria de la moda, por eso no es apenas sorprendente que no nos vaya tan bien. No tenemos la pinta para ir con ropa de nylon ajustado. De forma que buscar una carrera musical inteligente implica estar en el desierto musical. ¡Quién sabe si nuestro estilo de música estará de moda algún día! Pero, pese a todo, ¡hemos lanzado el CD y puedo brindar por ello!Y ¡saludos a Chris Cutler! Creo que él puso el resto de la gran determinación necesaria para que Crashing Icons sea publicado en Ais&E. ¡Tan sólo costó 20 años! El CD Crashing Icons será producido por M=R. Será distribuido por ReR y Wayside Music. M=R es la “otra” teoría de Einstein. Myrtle es implacable... (creo que ese era el nombre de su mujer... o la mujer de alguien).

Enrique: Ante todo, queremos agradecer a Chris Cutler por su gran ayuda para realizar este CD, y por su apoyo y estímulo, cuando se pueden contar muy pocas personas que quisieran ayudar voluntariamente. De hecho, su amistad es un inestimable regalo. El CD será principalmente distribuído por ReR y Wayside Music. M=R es la compañía de discos que produce el CD y significa Modulus is Rotundus (¡un supuesto teorema que revolucionó la física!). La “escena” aquí en Florida es en el presente Pop intensivamente y es quizás indicativo del estado conservador de la industria musical en su conjunto. El apetito por idear fórmulas musicales para marketing es insaciable y nada receptivo a otras aventuras más creativas. En la llamada “escena progresiva” hay unas pocas “almas robustas” que luchan por la consolidación de la escena musical creativa que toma riesgos. El hecho brutal deriva en que se ponen pocos recursos para ayudar a esas aventuras creativas. Más peligrosa es que la impresión que tiene la gente es que ciertos catálogos llamados “progresivos” están proporcionando música aventurera, mientras que, en realidad están coleccionando (aunque eso es importante) música de museo, dejando la escena de la música creativa a otros recursos y oportunidades.

Aislinn: Hay personas valientes y aisladas, con algunos de los cuales ya nos hemos encontrado y con los cuales hemos tenido la fortuna de trabajar. Cada año hay en Miami un evento llamado el Miami Sub Tropics New Music Festival. Absolute Zero ha sido quien lo abrió este año. El promotor de este evento (y también del Sound Arts Workshop (SAW),de becas, discursos musicales, residencias para artistas y otras organizaciones es Gustavo Matamoros, cuya visión ha inspirado a muchos artistas y audiencias durante bastantes años hasta ahora. Susan Caraballo, quien lidera la organización artística Artemis, trae a Miami muchos tipos de arte experimental, danza, música y películas. Ambos han ayudado a Absolute Zero y les estamos muy agradecidos. Siempre hemos creído que Miami tiene un potencial enorme para estar “en el filo” de la escena artística. Esperamos con anticipación…

En vuestra discografía podemos encontrar A Live in the Basement, un mini CD del año 1990 y Crashing Icons, del año 2000, un complejo trabajo en el que el más puro estilo progresivo, rio o prog metal se desarrolla sin complejos... Sin embargo el comienzo del grupo data de los años 70. ¿a qué es debida esta escasez de publicaciones?

Aislinn: Existe el rumor de que fuimos abducidos por extraterrestres en 1992 y retornamos a nuestros cuerpos recientemente. Por eso hemos comprado ropa especial protectora (parecida a poliester nuclear) para evitar que ninguna civilización alienígena pueda repetir esta debacle, por eso te podemos asegurar que este agujero composicional no volverá a ocurrir.

Crashing Icons, vuestro último trabajo, incluye 5 temas tremendos, de una sonoridad grandiosa, parece nacer de lo más profundo del alma de cada uno de vosotros. ¿De dónde nace la inspiración para un trabajo tan sorprendente y elaborado?

Pip: Bueno, cada banda tiene diferente gente, con características musicales y sociales diferentes, por eso sería muy extraño tener las mismas experiencias en dos grupos distintos. Me divierto mucho estando acompañado de Enrique y Aislinn, los dos son músicos y compositores muy dotados y han llegado a ser muy buenos amigos míos. Además “expresión” es tan sólo una palabra y puede significar muchas cosas. Encuentro muy difícil describir la experiencia espiritual que siento cuando toco música… todo lo que puedo decir es que siempre ha sido mi meta principal. Es como el Santo Grial del músico. Pero no podría estar seguro, pues, algo asombroso, los músicos no suelen hablar mucho sobre esto. Pero quizás dudo que John Coltrane estuviese preguntándose qué tal estaba yendo el FTSE o el índice NASDAQ mientras estaba tocando un solo. El cómo llegas a un momento en que puedes “expresarte” tú mismo, se consigue con años de trabajo, reflexión y teniendo buena relación contigo y tu instrumento. Cómo alcanzarlo con un grupo es el resultado de compartir tus experiencias con otros, sintiéndote bien y trabajando duro juntos y confiando en que la química va a trabajar alrededor de ti. Bueno, nosotros hemos cubierto parte de esas cosas con Absolute Zero y la química funciona bien, de forma que todo está en su sitio justo. Puedo describir algunos de los aspectos técnicos que he tenido que hacer con Absolute Zero. Es fácil y quizás responderá a tu pregunta de todos modos.

Lo primero, nuestra música es muy difícil de tocar, creeme. Vengo de una larga lista de interesantes grupos, tales como National Health o Hatfield, pero, en muchos aspectos, Absolute Zero es más desafiante que ambos para un batería. Un montón del material de Dave Stewart, por ejemplo, aunque era difícil de tocar liberalmente, estaba finalmente claramente definido y la mayoría debía ser tocado de forma cercana a como fue escrito y siendo conservador, sin improvisar. Absolute Zero está mucho más abierto a la interpretación, pero hay un montón de cambios rítmicos y polirítmicos muy cuidadosamente creados, y mentalmente complejos, que simplemente no pueden ser ignorados. Escriben un montón de esquemas rítmicos, los cuales, aparte de las signaturas de tiempos complejos y los quintuplets y todas estas cosas que no son fáciles de tocar también empleamos el uso de tiempos y ritmos uno sobre el otro, relacionados matemáticamente. Por ejemplo, yo toco en 9 y Aislinn superpone en 13 o algo por el estilo. Otras veces, todos estamos tocando la misma frase musical en diferentes tiempos. La primera vez que vi sus partituras y escuché su música pensé ¡fuera todo esto! simplemente es demasiado difícil. Pero cuando lo estudié y estuve tiempo escuchando y aprendiendo la música, empezó a tener lógica y sentido, de modo que ahora tocamos con más riesgos, avanzando a través de las fronteras de la música escrita. Muchas veces siento que no estoy tocando exactemente lo que teníamos escrito, pero eso es exactamente lo que significa “expresión”, porque en ese momento ya no sabes lo que estás haciendo conscientemente, ya que estás actuando con el subconsciente y en un nivel intuitivo. Eso es algo que no se puede escribir en un pedazo de papel. Cuando estás en un grupo como este, te sientes lanzado como un cohete.

También debo decir que es una banda muy democrática. Es un bonito sentimiento el ser capaz de tocar lo que te gusta, dentro de las limitaciones de la música escrita, que es algo que siempre he encontrado lo más interesante en la música. Debes tener mucho respeto mutuo y confianza en un músico para permitirle hacer todo lo que él quiera. Debo decir, que especialmente al principio, cuando llegué al grupo, perdíamos mucho tiempo analizando lo que intentábamos hacer. No estaba acostumbrado a esas reflexiones serias y disecciones de las motivaciones musicales. Me pareció un poco como el “significado del significado”. Pero poco después, descubrí que me gustaba un poco... me enseñó que esos chicos eran muy serios con aquello que querían hacer. Por eso, tuvimos que pasar a través de aquel proceso, para sentir cada uno al otro. En cualquier caso, la mayoría de los músicos están desesperadamente inseguros sobre lo que hacen y están aterrorizados de verse examinados demasiado de cerca. Por eso, de cualquier manera, ahora es más que el sentimiento de simplemente “poner la marcha” y sin más discusión, tan sólo para seguir adelante. Me gusta oír esto cuando escucho a grupos tocando. Pero necesitas saber dónde está la línea.

Hasta ahora he tenido un perfil más bajo en el aspecto composicional, ya que la mayoría de las composiciones ya estaban hechas antes de mi llegada. Pero me divierte seguir adelante con las ideas y Ais y Rico están muy abiertos a ello. Ellos realmente me animaron, incluso insistieron, en que yo debía meterme dentro de su música y hacer un espacio de mí mismo para tener éxito. De hecho, lo hice. Comencé con algo de material sonoro, sugerí alteraciones rítmicas y un montón de áreas abiertas, como por ejemplo, coger una parte de una composición y desarrollarla, cosas de ese estilo.

Referente a tocar en directo: Uno de los problemas con los que pronto nos vamos a tener que enfrentar (aparte del típico problema de conseguir promotores para promocionar y conseguir conciertos a una banda tan atípica como la nuestra) es que Enrique y Aislinn tienen, literalmente, toneladas de equipo. Es realmente esencial para su sonido. La música y la tecnología está totalmente entrelazadas. Si ellos simplemente pudieran llegar y conectarse al sistema de música y pudieran tocar... pero no podría ser la música que ellos han escrito. Hicimos una gira en Estados Unidos hace un par de años y ¡los costes del flete aéreo eran casi tan altos como nuestros salarios! Lo que espero es que la microtecnología hará pronto todos los efectos accesibles en ordenadores portátiles y pequeñas maletas en lugar de enormes racks en camiones de 10 toneladas.

En directo, tenemos que prestar atención uno al otro igual de bien que escucharnos, debido ha que hay un montón de señas visuales. Al principio esto era difícil para mí, pues había adquirido el hábito de cerrar los ojos mientras tocaba (creyendo que ayudaba a estar más cerca del estado de las cosas en su estado puro, pero descubrí que es mucho más bonito y relajante estar tocando y mirando alrededor para ver a la gente sonriendo o en directo.

Dejaré la germinación original de la creación a los otros chicos. Mucha de la historia del estudio es tan larga y dolorosa que quizá alguno de ellos me saque de mi miseria y lo explique de nuevo: es demasiado tremendo contarlo otra vez. Actualmente necesitamos hacer la grabación dos veces. Puedes leer parte de esta historia en las notas del CD. ¡Es realmente increíble!

Sin embargo, el sonido actual de la grabación, creo que es muy bueno. Actualmente, el ingeniero tiene un montón de cosas bien, igual que un montón de cosas radicalmente equivocadas. De forma optimista, desde el punto de vista de un batería, el estudio era un espacio fantástico: un viejo cine, las percusiones necesitan espacio para permitir al sonido desarrollarse y respirar, por eso el sonido era bellamente enorme si querías que lo fuera (¡y la mayoría de las veces lo hicimos!). Pusimos algunas mezclas en el techo y usamos altavoces envolviendo la estancia para el grupo, que usaban la acústica natural de la habitación. Es uno de los mejores sonidos de percusión que he grabado y perfecto para nuestra música. No querrías kit de percusiones de jazz de ECM (agradable como de hecho es) teniendo este equipo.

Quizás el hacer álbum dos veces estuvo bien. La primera vez fue realmente buena y después era esencial avanzar con la intención de no caer en la trampa de simplemente recrear lo que hicimos la primera vez. Por eso nos tomamos nuestro tiempo, experimentamos muchísimo, hicimos nuevas secciones y usamos realmente el estudio, creo que en el modo en que debería hacerse. Editamos el material a cinta, intentamos collages sampleados, hicimos overdubs de percusión ridículos. Simplemente dejamos las cosas moverse hacia delante. Nos tomamos la música mucho más avanzada que en el estado composicional; componíamos mientras seguíamos hacia delante.

Aislinn: Creo que Pip ha descrito bastante bien el proceso de estudio para grabar Crashing Icons. Encontraba a Pip, Enrique y el ingeniero de estudio como fuente de inspiración cuando llegaban a grabar y mezclar este CD. Los momentos dolorosos con respecto a haber perdido las grabaciones dos veces las dejo para la triste historia, y el dolor por el buen arte (y relaciones) que se han dañado y/o perdido totálmente en este caos. Pero estoy de acuerdo con Pip, el resultado es realmente más salvaje, un evento que toma más riegos y algo de lo que estoy orgullosa de compartir con todos los oyentes aventureros.

En términos de qué me inspira a mí particularmente, ciertamente el interactuar con los numerosos músicos con talento en este CD me dio gran inspiración. La inspiración personal, para mi, y su inicio, puede quizás ser mejor descrita como una idea persecutoria, un momento duro de la realidad periférica , la cual insiste en realizar y hacer conexión con otras ideas. El resto del proceso composicional usualmente envuelve construir la estructura para realizar esas ideas, usando los aspectos visuales , sonidos, movimientos (hacer lo que se deba) creados por mí misma y el resto de los miembros del grupo Y el momento perfecto (cuando la estructura ha sido practicada en el subconsciente y realizada en el espacio y la audiencia con la libertad que la interacción verdadera permite (la resonancia que Pip ha descrito tan bien anteriormente), eso hace a los problemas, al trabajo duro imposible, la super-humana falta de sueño y el sacrificio cercano a lo mesiánico extremadamente meritorio.

¿Qué otros músicos o grupos han sido importantes para vosotros?

Pip: Tan sólo tienes que mirar el póster que viene con el CD. Allí están todos ¡y hay un regalo para la primera persona que los identifique a todos!

Enrique: Siempre estamos interesados en músicos y bandas que no están realmente seguros . La resistencia al riesgo conduce a atrofia creativa y anima al control por la conformidad a un mercado musical impulsado por el dinero.
Este bazar musical tiene poco que ver con el arte y más relación con el comercio y la moda. ¡El póster dentro del CD tiene realmente las pistas para tu pregunta!

Aislinn: El póster gratuito que vendrá (sólo) con la primera tirada del CD Crashing Icons de hecho contiene muchos (pero no todos) quienes son inspiración para nuestro trabajo. Pero toda la gente que aparece tiene algo en común. Todos nos han inspirado siendo la esencia de lo que fueron, no intentaron llegar a ser una parte del “status quo”, no se definieron a sí mismos con la cultura prominente, se esforzaron por pasar el punto de lo confortable y tomaron el gran salto del “más allá” creativo. Y esto, realmente, es lo que nos inspira, ese espíritu.

Charles Ives dijo “... cada gran inspiración es tal sólo un experimento...” y pienso que eso es muy cierto para Absolute Zero.
¿Qué nuevas cosas me inspiran ahora? Me gustó cuando John Cage dijo: “Mi música favorita es la música que nunca he escuchado”

Aislinn Quinn

“Caos controlado”, “rock progresivo sin complejos”, son definiciones aplicables a vuestro modo de hacer música. ¿Qué pensais del panorama del rock progresivo y otros estilos afines en el presente?

Pip: Encuentro el estado actual del desarrollo musical en la escena “progresiva” segura y la mayoría la encuentro como una enfermedad terminal. En un intento de capitalizar la teoría de que si mantienes un grupo durante suficiente tiempo y tocando la misma música, entonces los promotores conseguirán finalmente su caída, grupos que son llamados, irónicamente, progresivos están todavía tocando la misma música, en algunos casos desde hace 30 años. Cómo pueden hacer eso sin terminar completamente aburridos es algo que está más allá de mi comprensión.

Me divertí absolutamente tocando con Gong de nuevo en 2 Tours después de 20 años. Pero pronto llegaron a ser como una especie de pantomima necrofílica, subieron el espítiru de la escena hippie ya muerta con Daevyd como la Viuda Twanky. ¡Yo soy yo y mira detrás de ti!. Yo se que él ya está aburrido de eso. Imagino que tiene que ganarse la vida, pero pienso que si tuviese el coraje de romper con ese papel podría ser el músico más fantásticamente creativo en cuanto quisiera. Es increíble cuanta presión tuve para re-formar grupos como Hatfield & The North: los promotores japoneses dicen que pueden conseguir contratos para conciertos si reúno de nuevo a Hatfield. Quince años después de que el grupo se rompió, fuimos invitados a un programa de televisión. ¡Si eso hubiese ocurrido cuando tratábamos de sobrevivir y conseguir conciertos! Así, brevemente: no hay mucho que contar sobre la música progresiva. En estos días ningún músico que valga la pena estará en el mismo espacio creativo toda la vida.

Enrique: Siento que la música creativa está en una posición extremadamente precaria en nuestro presente de cultura del “comercio sobre el arte”. Los avances tecnológicos han tenido algunos efectos positivos permitiendo la creatividad del músico, y allanando el campo de juego en términos de acceso a la audiencia. Sin embargo, estos avances se podrían destruir por el apetito corporativo y el control del contenido para el beneficio económico.

La obsesión de las corporaciones musicales de separar al músico de sus composiciones no muestra signos de disminución y por eso la lucha por la música creativa continúa. De forma esperanzadora estos desafíos empujarán al músico creativo a buscar soluciones revolucionarias fuera de esta sofocante estructura musical.

Parece existir una carencia de impregnación de conocimiento, energía y/o creatividad por parte de los críticos musicales para defender nuevas músicas. El estado sin riesgo, como el creativo, parecen ser aceptados sin conocimiento por aquellos que dicen apreciar la música creativa. Así, al músico y compositor originales, se les deja a sus propios medios para que descubran soluciones viables para una grabación, distribución y viajes a un precio razonable. Como mínimo, necesitamos apoyarnos unos a otros.

El lenguaje “Orwelliano” del producto y la clasificación, continúa infectando nuestro lenguaje y perspectiva, como un virus intenta elogiar las vanas virtudes del capital, el bienestar y la gratificación instantánea. Si, a pesar de estas condiciones amenazadoras, el hecho continúa: la música es una revolución y siempre lo será.

Aislinn: Uno puede mirar al paisaje cultural y al estado del “no-riesgo” que está ocurriendo ahora mismo y terminar completamente deprimido, pero yo pienso que estos nuevos artes/medios/música, etc simplemente necesita una inyección de energía. Es por eso que pienso que nosotros, como artistas, necesitamos ser como somos, con tal fuerza y convicción que exudemos el carisma necesario para infectar el sentido de la audiencia con una sinergia creativa insuperable. De esta forma, tan sólo podemos esperar borrar el modo de “coger por el cuello a los músicos” que los imperios comerciales tienen hoy en el mundo artístico.

¿Qué otros músicos colaboran normalmente con vosotros?

Pip: Estamos muy contentos de trabajar como un trío, pero mientras grabamos Crashing Icons, la oportunidad de grabar con nuestros compañeros Keith y Jim se presentó y la aprovechamos. Habrá otros, como definimos en nuestros proyectos futuros.

Enrique: Recientes proyectos ya han inspirado el espíritu de la colaboración. En nuestro presente trabajo, un proyecto de un DVD, nos vimos a nosotros mismos colaborando con el artista multimedia con gran talento Adam Rush, quien, a propósito, también colaboró con nosotros en el Subtropics Musical Festival. Los planes siguientes a nuestro CD ya han comenzado y hemos planeado posibilidades musicales que podrán requerir de colaboraciones con otros músicos.

Aislinn: En el lanzamiento de Crashing Icons, realizado por m=r (que quiere decir myopia=recidivism), Absolute Zero tan sólo ha realizado para el contenido musical público, las colaboraciones que hemos tenido con otros músicos. Sin embargo en el Festival de Nueva Música Miami Sub Tropics debutamos con nuestros nuevos medios audiovisuales creados por el increiblemente talentoso Adam Rush y también fue la “premiere” de un vídeo titulado The Battle For Survival, cuyos aspectos visuales fueron creados por mí, con una banda sonora (creada usando pequeños trozos pregrabados de temas de Absolute Zero) arreglada por Enrique Jardines, y finalmente mezclado y producido por Absolute Zero y Gustavo Matamoros en el SAW Workshop (este trabajo fue financiado por una concesión del SAW)

Actualmente estamos trabajando en numerosos proyectos multimedia, los cuales incluyen un DVD con vídeo y música (Aislinn Quinn y Adam Rush haciendo el vídeo; Enrique, Pip, Aislinn y Adam Rush utilizando trozos musicales pregrabados para crear nuevo contenido musical propio para acompañar a las imágenes). También está previsto hacer un evento interactivo en la Galería del Espacio en Miami. Por eso, intentamos continuar colaborando con nuevos músicos, artistas multimedia, compositores, etc.Te mantendremos informado.

Music is a Revolution... es es vuestro lema... ¿Qué significa realmente la música para vosotros?

Pip: Creo que ya he dicho en la otra pregunta lo más extensamente que he podido sobre el significado de la música. Lo significa todo y me convierto en un disléxico cuando intento explicarlo... Lo que es... es como una puerta a otro lugar. Afortunadamente, de donde podemos convertir todas esas pequeñas cuerdas de resonancia en algo harmónico y regocijante.

¡Bah! Sólo estoy bromeando en realidad...

Aislinn: Sobre “La música es una revolucion”... El diccionario de la Universidad de Princeton describe “revolución” como “un cambio drástico y de gran embergadura en la forma de pensar y comportarse”. El diccionario American Heritage describe “revolución” como “un repentino o temporal cambio en una situación”.

Ambas definiciones se ocupan de cierto aspecto de lo que creemos que debería ser el arte. Nuestro viejo tema “que no sea confortable”, cambia. ¡Tu acción es tu libertad! sugiere que el arte debería poner una barrera entre el oyente y su “familiar”, debería hacerlos levantarse de sus asientos y catapultarlos al gran conocimiento, causando que corten con su habitual realidad no creativa. Eso también debería pasar con los músicos. ¡La música es una revolución! ¡O debería serlo! (Por otra parte, el diccionario American Heritage también describe “revolución” como “un tiempo de deformación de la tierra, cuando las dobleces y fallas se forman”. Quizás describe mejor las realidades físicas de Absolute Zero en el momento actual.

Pip Pyle

La última pregunta también es obligada. ¿Cuáles son vuestros futuros proyectos? ¿Nuevo disco? ¿Actuaciones en directo?

Pip: No creo que después de 20 años intentando que Crashing Icons vea la luz vayamos a tocarlo en directo durante 20 añosmás. Por eso, si alguien está interesado en ello, es mejor que se de prisa, porque vamos a hacer algo el año que viene.

Enrique: ¡La idea de la banda es forzar hasta el límite nuestros límites creativos y hacer la revolución irresistible! Continuar creando nuestra música y existir de forma desafiante a pesar de la presente sabiduría convencional que se refugia en la comunidad del negocio musical. Tenemos planes para finalizar el proyecto del DVD mencionado y uno de los videos para este proyecto ya está terminado. También estamos en proceso composicional para el siguiente CD llamado Redemption Radar. También esperamos hacer una gira en el futuro pero antes debemos solucionar parte de nuestro equipamiento, hacerlo más llevadero y fácil de transportar. Estamos intentando encontrar el soporte necesario mirando los temas logísticos que hacen funcionar una gira. Nos gustaría tocar en directo y expandir nuestro campo musical. Estamos mirando adelante, a nuestra próxima aventura musical.

Aislinn: Ya hablé un poco sobre esto antes, en la pregunta sobre nuestras colaboraciones. La música microtonal es un área que definitivamente exploraremos, y es un campo que sentimos que no ha sido realizado en la música más al oeste. (Por ejemplo, Harry Partch y su conjunto intentaron catalogar y crear música microtonal, pero él y su conjunto parecieron ser percibidos sólo como un fenómeno, debido en parte a que la música fue unida a sus instrumentos afinados de forma especial y en parte a la dificultad de la microtonalidad y su destrucción fundamental de la estructura totalmente confortable de la música temperada).

Nosotros pensamos que muchos diferentes tipos de estructruras se presentarán desde esta área musical, ya que los instrumentos electrónicos se harán más rápidos, contendrán más memoria y se harán más facilmente programables (sí, pensamos que esta música microtonal se acelerará a través de los instrumentos electrónicos más rápido que lo que han permitido los instrumentos acústicos). Un compositor estadounidense de mucho talento que nos gusta mucho y que explora mucho la música microtonal en guitarra es un guitarrista llamado Dan Stearns. Busca más datos sobre él...

Habrá definitivamente más música sampleada en el futuro. Nosotros como grupo estamos entregados a la creación de nuestros propios sonidos personales (los cuales son acústicos/manipulados o acústicos/completamente inventados) y seguiremos explorando este área mientras nos resulte interesante y nos resulte un material desafiante.

También estamos entregados a crear piezas multimedia con no sólo improvisación en tiempo real, si no también improvisación visual en tiempo real, creada usando disparadores para iniciar movimientos de figuras o imágenes en una pantalla de ordenador o vídeo (o incluso eventos mecánicos en vivo). De nuevo, estamos colaborando con Adam Rush, así como con otros artistas de Miami para producir estos eventos multimedia.

Muchas gracias por todo. Habéis sido muy amables. ¿Algún otro comentario que queráis añadir para nuestros lectores?

Pip: ¡Oh si! Yo uso baquetas Pro Mark 2-A (Puedes comprarlas en cualquier tienda de chucherías)

Enrique: Tras mucha investigación, puedo decir definitivamente que, de hecho, uso cuerdas de bajo en mi bajo. Gracias por tus maravillosas preguntas y un abrazo fuerte para todos. ¡Venceremos!

Aislinn: Otra cita de John Cage: “Una vez pregunté a Arragon, el historiador, cómo se escribíó la historia. Él me dijo “Tienes que inventarla”